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miércoles, 20 de septiembre de 2017

DETROIT


Duración: 143 min
País: Estados Unidos
Género: Suspense - Crimen - Drama - Historia
Estreno: 15/09/2017
Directores: Kathryn Bigelow
Actores: Anthony Mackie, Hannah Murray, Jack Reynor, John Boyega, Kaitlyn Dever, Will Poulter
Guionistas: Mark Boal
Productores: Aurum, Eone Films


Sinopsis: También conocidos como los disturbios de la Calle 12, todo comenzó cuando la mañana del 23 de julio, pocos días después de los disturbios del gueto de Newark, en Nueva Jersey, que dejó tras de sí 26 muertos y 1.500 heridos, la policía llevó a cabo una redada en una cantina sin licencia situada en un barrio poblado de mayoría negra. Pensando que a esas horas estaría medio vacía, no esperaban encontrarse con 82 personas atendiendo una fiesta para dos veteranos de vuelta del Vietnam.


El cine de la insobornable e imprevisible Kathryn Bigelow busca siempre ponernos en el lugar del otro, aunque eso resulte particularmente doloroso. Donde lo mostró de manera directa, envuelto en un marco de cine de anticipación (que no lo era tanto: el año 2000, contado desde 1995), fue en 'Días extraños'. Pocas diferencias se aprecian entre los altercados callejeros de aquella ficticia víspera del siglo XXI con la Detroit en estado de sitio de finales de julio de 1967: de la inmersión tecnológico-lisérgica para sentir el placer o el sufrimiento ajenos ('Días extraños') hasta una cámara nerviosa, de corresponsal de guerra, que nos pasea, zarandeándonos violentamente, por las llamas de los conflictos raciales y por sus ascuas, todavía hoy encendidas, vivas.
Muy pronto, Bigelow, en su trabajo más redondo e inspirado en años, va cerrando su visión coral de los acontecimientos (no hay un protagonista definido) hasta llevarnos a la depuración absoluta, al terror claustrofóbico… a meternos en la piel y en la psique de policías racistas, víctimas inocentes e improbables observadores neutrales. En ese intercambio de roles, en ese cruzar la línea (otra característica de la obra de la autora de 'Le llaman Bodhi', flm de 1991 que cita explícitamente en la secuencia inicial con el agente infiltrado), es donde 'Detroit' se convierte en algo más que una película de denuncia o una minuciosa reconstrucción histórica periodística. Nos pone un espejo delante para que veamos todas las sombras y los refejos tenebrosos que nos hacen ser monstruos para los demás y para nosotros mismos....(FOTOGRAMAS).


Tienen que hacerse todavía muchas películas para que Estados Unidos haga las paces consigo misma. Su historia es la de un país nacido de un genocidio, construido sobre los cimientos de la esclavitud y enfrentado todavía hoy a la paradoja de ser emblema de libertades y máximo ejemplo de sociedad racista. Por su compromiso como cronista en esta segunda fase de su filmografía, Kathryn Bigelow ha querido que su nuevo filme cubriera gran parte de esa enorme mancha blanca que cubre la memoria de toda una nación. De esta forma, y tomando un episodio insuficientemente recordado, mete los fantasmas de este conflicto en el pequeño motel en el que estaba un grupo de jóvenes negros arrestados y hostigados ilegalmente por tres policías blancos. Fue una noche de julio hace 50 años en Detroit. Sorprende que nadie hubiera decidido contarlo antes. O no. ....(SENSACINE).

Muy buena película de Kathryn Bigelow que debería aspirar a varios premios del año. A ver, no es que los premios me importen lo más mínimo ni piense que definen la calidad de una película siempre, pero lo cierto es que después de ver Detroit lo que me quedó claro es que si esta película no vuelve a poner a Bigelow y algunos de sus colaboradores entre los nominados a los galardones del año, sería raro. Detroit tiene todos los elementos para estar entre las nominadas y premiadas. Pero eso no es lo mejor. Lo mejor es que es una muy buena película, y a mi parecer confirma que su directora está ahora mismo en la reducida lista de diez o doce directores de los que hay que esperar con ganas la llegada de su próximo trabajo, porque suelen cumplir con las expectativas y además mejoran con cada nueva película, tienen una filmografía rica y en progresión ascendente y además no temen meterse en huertos. Y Detroit es un auténtico huerto. O mejor dicho: una bomba social, al menos para la sociedad americana, cuyas cuentas pendientes de enfrentamiento racial todavía no han sido del todo solucionadas y que viendo esta película parecen todavía muy presentes en el día a día de la mentalidad norteamericana, por mucho que quieran vendernos una imagen progresista.....(ACCION DE CINE).

lunes, 11 de septiembre de 2017

TADEO JONES 2.EL SECRETO DEL REY MIDAS


Duración: 81 min
País: España
Género: Animación
Estreno: 25/08/2017
Directores: David Alonso, Enrique Gato
Actores: Adriana Ugarte, José Corbacho, Michelle Jenner
Guionistas: Javier Barreira, Jordi Gasull, Neil Landau
Productores: Paramount Pictures
















Tadeo Jones viaja hasta Las Vegas para asistir a la presentación del último descubrimiento de la arqueóloga Sara Lavroff: el papiro que demuestra la existencia del Collar de Midas, el mítico Rey que convertía en oro todo aquello que tocaba. Pero el feliz reencuentro se verá enturbiado cuando un malvado ricachón secuestra a Sara para poder encontrar el talismán y conseguir riquezas infinitas. Junto a sus amigos el loro Belzoni y su perro Jeff, Tadeo tendrá que hacer uso de su ingenio para rescatar a Sara, en un viaje por medio mundo, donde encontrará nuevos amigos ¡y nuevos villanos! 

....Y si en la primera película la clara fuente de inspiración era, como ya he dicho, Indiana Jones, en esta ocasión se nota que a los creadores de la película les encantan los videojuegos de la saga "Uncharted", de la PS4, pues Tadeo se muta en un Nathan Drake de andar por casa que incluso tiene cuaderno de pistas y todo ¡Si hasta hay un recorrido en todoterreno por un gran espacio abierto como en la cuarta entrega! Por un momento pensaba que aparecería Sully con uno de sus puros apestosos detrás de cualquier esquina o que se liaría a tiros con un batallón de mercenarios. Pero no, estamos, hay que recordarlo, ante una película dirigida a los peques de la casa y hay que cuidar las formas.

Mención especial al personaje "Momia", que ya aparecía en la primera entrega y que se come la pantalla cada vez que sale, dejando en pañales humorísticos al pájaro Belzoni y a sus cartelitos. Y atentos a la magnífica escena de la persecución en taxi y motos por las calles de Granada, de lo mejor visto en bastante tiempo en animación.

Por supuesto, están presentes todos los topicazos españoles sobre la paella, el flamenco y demás... No olvidemos que estamos ante un producto español que va a tratar de triunfar en mercados anglosajones. Y desde luego no tiene nada que envidiar a muchas producciones procedentes de EEUU, pues la animación española es de gran calidad (véase "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo", por ejemplo)....(PALASACA.MADRID.)


Cuando en 2001 Enrique Gato dio luz a Tadeo Jones apenas debió imaginar el trabajo (y el éxito) que el personaje le brindaría: un cortometraje (2004) que dio la vuelta al mundo; un segundo cortometraje, Tadeo Jones y el sótano maldito; un primer largo de animación (2013), galardonado con tres Premios Goya; y ahora una secuela que expande las aventuras del albañil y arqueólogo hacia nuevos territorios. Y no sólo porque Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas nos lleva de Las Vegas a Granada y ade ahí a Turquía, sino porque, tras arrasar la primera entrega en la taquilla global, esta nueva entrega aparece con todos los elementos para ir en busca del crowd-pleasing de los principales box-office del mundo.....(SENSACINE).

Mejor que la primera: los cinco años de espera han resultado provechosos. Se nota que se la han currado con paciencia, talento e ingenio, y nada del piloto automático que tan a menudo activa secuelas, sin ir más lejos la de Pixar de este año. Ya el prólogo, una aventura bajo el agua protagonizada por la joven heroína arqueóloga Sara Lavrof, pone el listón alto. Le sigue el humor literalmente paleta de Tadeo, en la escena de la obra en construcción, slapstick marca Laurel & Hardy. Y, ya sin pausa, aparece la Momia, secundaria en el título original, todo un hallazgo de diseño, caracterización y comicidad, que en un santiamén se adueña de la película de Gato y Alonso. Y llegan las escenas de acción: la de la Alhambra, arrolladora, digna del 'Tintín' de Spielberg; la de la Capadocia… Miel sobre hojuelas, entre tanto estrépito, todavía tiene tiempo el film de desgranar una historia de amor, peinada con tupé de screwball comedy al introducir sabiamente en el guion la figura de la guapa becaria que propicia los consabidos equívocos.(FOTOGRAMAS).

Mejor que la primera parte en todos los sentidos. Aunque el salto verdaderamente notable se da en el aspecto técnico, donde hay una evolución espectacular sobre todo desde la primera entrega, aunque también se nota el avance respecto a Atrapa la Bandera, la anterior película de Lightbox Entertainment y Enrique Gato, uno de los principales motores creativos detrás de la misma. Las Aventuras de Tadeo Jones se convirtió en uno de los mayores éxitos españoles que se recue3rdan, la película de animación patria que más ha recaudado en nuestro país y un éxito internacional con más de 50 millones de dólares recaudados en todo el mundo. Era necesario dar un salto de calidad y vaya si lo han hecho.
Para una producción modesta, esta nueva aventura de Tadeo Jones es mucho más en todos los sentidos, y supera a su antecesora no sólo en el diseño de los personajes y cómo se ven en pantalla, desde los gestos al cabello pasando por la ropa o las texturas, sino también en el paisaje, las localizaciones, la iluminación y los movimientos de cámara. Hay un avance brutal entre ambas películas y eso se agradece también, porque ha supuesto un enorme esfuerzo sin duda y porque lo que nos ofrece se acerca cada vez más a las producciones americanas más modestas, pero con un presupuesto 10 veces mayor. No, no hablamos de Pixar. Visualmente ellos están a años luz de todo el mundo. Pero si la comparamos con Ilumination, la responsable de Gru, las distancias se acortan....(ACCION).

miércoles, 2 de agosto de 2017

DUNKERQUE










Título original
Dunkirk
Año
Duración
107 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guion
Christopher Nolan
Música
Hans Zimmer
Fotografía
Hoyte Van Hoytema
Reparto
, , , , ,, , , , ,, , , , 
Productora
Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Francia-Países Bajos (Holanda); Warner Bros. Pictures / Syncopy / Dombey Street Productions / Kaap Holland Film / Canal+ / Ciné+ / RatPac-Dune Entertainment
Género
BélicoDrama | II Guerra MundialSupervivenciaHistóricoBasado en hechos reales



Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeadas por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca.


.....No hay pasado ni futuro en Dunkirk: no conocemos la historia -y en muchos casos- los nombres de los soldados protagonistas y, cuando termina la película, no hay un letrero que nos indique lo que sucedió después. Simple y sencillamente es un evento que ocurrió para estas personas, un momento de tensión pura, uno que para los soldados en tierra duró una semana, para los civiles en el mar un día y para los aviones una hora.
Dunkirk logra combinar con una clase y estilo sin precedentes el lenguaje cinematográfico de clásicos bélicos que van desde la aparentemente sencillez del cine mudo de El acorazado Potemkin, la acción de Rescatando al soldado Ryan, hasta la belleza dentro de un escenario hostil de una de las películas favoritas de Christopher Nolan: La delgada línea roja de Terrence Mallick. Y es que una de las virtudes del cine de Nolan es su capacidad de tomar esas películas que lo han influenciado y no hacer una copia u “homenaje”, son eso, simplemente inspiración. En la práctica, Dunkirk es totalmente opuesta a La delgada línea roja. En la obra de Mallick sus soldados filosofan sobre la guerra en un constante diálogo consigo mismos a través de la voz en off, ven al enemigo a la cara, lo retan, se burlan, conviven con la gente del lugar y en algunos casos conocemos su vida pasada. Aquí no existe un momento donde algún soldado hable sobre lo que dejó atrás o si tienen familia que los espere al otro lado. Simple y sencillamente están ahí, en un momento, tratando de escapar, tratando de sobrevivir… no hay tiempo de pensar en el pasado o en el futuro.
De igual forma, ambas cintas van más allá a ser tan sólo una “película de guerra”. Mientras La delgada línea roja -opacada en su momento por Rescatando al soldado Ryan- resultaba a su vez un estudio sobre el hombre y sus islas personales, Dunkirk no sólo es sobre la percepción del tiempo en momentos de crisis, sino la percepción -normalmente errónea- que tenemos de nosotros mismos frente a los demás, muchas veces solemos ser nuestros propios enemigos.
Dentro de los apartados técnicos, la película funciona como reloj suizo. Christopher Nolan, el proponente número uno de la tecnología IMAX, logra una cinta única que explota el formato como ninguna otra. La fotografía de Hoyte Van Hoytema nuevamente vuelve a mostrar la sutileza con la que explora escenarios a gran escala y a la vez nos enfrenta con esos close-ups claustrofóbicos.
Nuevamente el score de Hans Zimmer juega un papel sumamente importante dentro de la narrativa de Dunkirk, con el reloj marcando los segundos y el efecto auditivo del tono Sheppard, donde se crea la ilusión de un eterno in crescendo que provoca tensión y genera un suspenso aún mayor. Es un trabajo que recuerda también a la dupla Alfonso Cuarón-Steven Price en Gravity. Sería interesante descubrir si funciona sin el score, así como fue el experimento que hizo Cuarón para su película en la Deluxe Edition en Blu-ray.
Uno de los momentos decisivos en la historia de la Segunda Guerra Mundial fue correctamente llevado a la pantalla grande por Christopher Nolan. El realizador nunca pierde su estilo y fija con maestría un vocabulario visual en torno al uso y percepción del tiempo. Dunkirk nos transporta a un momento, a un lugar, a tres puntos de vista. Cada uno con su emergencia y a su propio su trepidante ritmo. No vemos al enemigo porque aquí la amenaza, más que llevar un rostro, lleva un segundero que juega con tortura a todos los afectados… un tiempo a la vez.(PREMIERE).

Hay una imagen en 'Dunkerque' que rima con otra inmortalizada por la reciente 'Su mejor historia' (Lone Scherfig, 2016): una playa atestada de soldados a la espera de evacuación, que, en el trabajo de Scherfig (aguda reflexión sobre los usos de la propaganda y la necesidad de privilegiar la leyenda sobre el hecho), adoptaba la forma de un vidrio pintado, y que Christopher Nolan esculpe en la apabullante fisicidad de una experiencia cinematográfica inmersiva y sensorial. Que dos películas hayan coincidido en rememorar esa histórica retirada como heroica gesta de supervivencia y triunfo de la acción colectiva de una comunidad (británica) también invita a reflexionar sobre la pervivencia de la propaganda en tiempos de paz: ¿es Dunkerque, por lo que tiene de celebración de los lazos de una domesticidad solidaria consigo misma, el mito a invocar por los británicos a medida de los tiempos del Brexit?
Sofisticado juego temporal
'Dunkerque' supone, al mismo tiempo, una reafirmación de las esencias nolanianas y un radical desvío de lo que, con el tiempo, ha ido erigiéndose en uno de los más fastidiosos factores de sobrepeso de su poética. Por un lado, la película se articula en forma de sofisticado juego estructural con un uso del tiempo que podría entenderse como la respuesta realista a las piruetas oníricas de 'Origen' (2010): tres puntos de vista (por tierra, mar y aire), atrapados en respectivas franjas temporales (una semana, un día, una hora), pero armonizados en un montaje paralelo que, muy ocasionalmente, proporciona gratificantes golpes de efecto narrativos (los relacionados con el personaje de Cillian Murphy) y acaba tendiendo a una contraproducente confusión. Se intuye que el propósito del juego (que culmina en la dilatación de un aterrizaje equiparable a la célebre caída de coche ralentizada en 'Origen') es el de igualar tres experiencias y temporalidades distintas en el idioma común de una misma intensidad regida por el imperativo de supervivencia.
Renuncia a la pompa
Por otro lado, Nolan hace aquí una explícita renuncia a la pompa y al verbo (aunque se le escape alguna sonrojante, por lo enfática, línea de diálogo sobre la supervivencia), para abocarse a un espectáculo puramente visual. Algunos momentos (todo el prólogo dominado por Fionn Whitehead, Aneurin Barnard y una camilla) alcanzan una incuestionable fuerza, pero cabe preguntarse si todas las imágenes de Nolan, sin el espectacular diseño de sonido y sin la banda sonora de Hans Zimmer, poseerían la suficiente elocuencia expresiva como para defenderse por sí solas.(FOTOGRAMAS).

......Dunkerque es la historia de una derrota. De cómo los perdedores, especialmente ellos, son más héroes que nadie. Un retrato de soldados en fuga que no duda en mostrar lo peor del ser humano pero sin perderse en discursos moralistas estériles. La acción, brutal y espectacular, se concentra tanto en los gestos íntimos -un joven sosteniendo en brazos a su amigo herido- como en grandiosas escenas de carácter operístico -cuando el destructor se hunde víctima de un torpedo-. Para Nolan todo forma parte desde la misma intensidad emocional. Por eso ni siquiera parecen importar los actores -fijarse en Tom Hardy, que no se quita la máscara de aviador en prácticamente toda la película-, mucho menos las palabras. Porque esta es una película donde el valor semántico es absoluto. La construcción del relato prevalece por encima del mismo relato. Tanto es así que más que una película de guerra, Dunkerque podría ser una película sobre el propio cine y su importancia. Gracias Nolan, por todo ello.(SENSACINE).

lunes, 17 de julio de 2017

LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS



















Título original
War for the Planet of the Apes
Año
Duración
142 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guion
Mark Bomback, Matt Reeves (Novela: Pierre Boulle)
Música
Michael Giacchino
Fotografía
Michael Seresin
Reparto
, , , , ,, , , , 
Productora
20th Century Fox / Chernin Entertainment



En 'War for the Planet of the Apes', el tercer capítulo de esta exitosa franquicia aclamada por crítica y público, César y sus simios se ven obligados a un enfrentamiento mortal con un ejército de seres humanos comandados por un implacable Coronel. Después de que los simios sufran pérdidas inimaginables, César lucha contra sus instintos más oscuros y comienza su propia búsqueda mítica para vengar a su especie. A medida que el viaje le conduce al inevitable cara a cara, César y el Coronel se enfrentarán en una batalla épica que determinará tanto el destino de las dos especies como el futuro del planeta.

Al grito de “simios unidos jamás serán vencidos” nos adentramos en una de las películas más oscuras y complejas de la temporada, en la que el director Matt Reeves demuestra que es capaz de convertir un blockbuster veraniego en una obra de una enorme rotundidad expresiva y un alcance simbólico revelador.
El fanatismo ideológico, el sometimiento a través de la violencia y el miedo, y la progresiva deshumanización de la especie son algunos de los temas que laten un film que se atreve a mezclar ideas y géneros con la misma soltura con la que utiliza la tecnología para crear emoción y sentimientos verdaderos a través del rostro y los movimientos de un primate al que todos querríamos como líder de nuestra nación. Así, pasamos del bélico al western, de las fugas carcelarias a las aventuras épicas para desembocar en una tragedia griega con resonancias bíblicas tan apoteósica como crepuscular.
Un broche de oro a una trilogía que ha conseguido insuflar un nuevo sentido a una de las obras cumbres de la ciencia ficción de todos los tiempos, reactualizándola sin perder un ápice de su capacidad alegórica.(FOTOGRAMAS).

La mejor y más completa de toda la saga de los simios, no sólo de la última trilogía.
Una película adulta y completa que en pleno ejercicio de madurez pone broche final brillante a la trilogía iniciada con El origen del planeta los simios y El amanecer del planeta de los simios. Matt Reeves ya había plantado las semillas de este desenlace en el tercer acto de El amanecer… y consigue darle a la franquicia un primer ciclo notable protagonizado por el personaje del simio César, y narrado en todo momento desde el punto de vista de los simios, más que de los humanos.
En ese sentido ha contado con un aliado esencial al que puede otorgársele tanta autoría y responsabilidad en el éxito comercial y los logros creativos de esta franquicia como a los guionistas y directores de la misma: Andy Serkis. El trabajo de construcción que lleva a cabo este actor con el personaje de César no sólo está a la altura de la riqueza del arco de desarrollo del mismo que le proporciona el guión, sino que aporta todos los matices esenciales para definir una gran interpretación que merece ya con esta película, más que nunca, que Serkis sea como mínimo nominado al Oscar, prescindiendo del hecho de que su trabajo como actor esté funcionando en sinergia con la tecnología de captura de movimiento. Es más, precisamente es este aspecto, en el que es sin duda Serkis el gran pionero, el que debería pesar aún más para que tuvieran en cuenta su trabajo con una especial complejidad que va más allá del que realizaría ejerciendo como actor “disfrazado” de simio portando máscara, prótesis, arropado por el maquillaje y con dos mitades de cocos colgando de la boca, dicho sea con todos mis respetos para los actores y maquilladores de la saga simia original, que me hicieron pasar muy buenos ratos en mi infancia y juventud, pero nos pongamos como nos pongamos, y por mucho que les tire a algunos la nostalgia cinéfila o cariño por lo artesanal, no pueden considerarse al mismo nivel de complejidad y perfección que tienen los simios en estas trilogía y el trabajo de los actores encargados de darles vida real, convertirlos en personajes de carne y hueso como nunca antes los habíamos visto. Porque hablamos de César, pero otro tanto en lo referido a construcción de personajes y trabajo de actores puede decirse de todos los miembros del reparto de esta película, con mención especial a Bad Ape, con el que Steve Zahn crea uno de los personajes más entrañables de la saga. Hay más drama y construcción de personaje en una mirada de César o de Bad Ape que en muchas interpretaciones de actores de carne y hueso que vamos a ver este año en la cartelera. Reconózcanse pues, a nivel premios, estos méritos que ya no pueden poner en duda ningún crítico, analista, profesional o aficionado al cine.....(ACCIÓN DE CINE).

...Por todo ello La guerra del planeta de los simios es un hit en toda regla. Un cierre de una trilogía a la que, por una vez, le deseamos que lleguen más películas. Es inaudito que un blockbuster posea tantas y tan buenas ideas -no quiero hacer spoilers, así que el lector deberá descubrir cuáles son cuando vea la cinta-. Y además funciona en todas sus partes, resultando tan exigente a la hora de retratar una batalla en campo abierto, como trazando un plan de huída del campo de trabajo donde los simios están confinados. Y todo ello trazado entre palabras y gruñidos, entre simios que hablan como hombres y hombres que ya no pueden ni articular palabra. Por todo eso, ¡salve a César! ..(SENSACINE)