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jueves, 16 de noviembre de 2017

LA LIBRERÍA



DURACIÓN: 108 min
PAÍS: España, Reino Unido, Alemania
GÉNERO: Drama
ESTRENO: 10/11/2017
DIRECCIÓN: Isabel Coixet
REPARTO: Emily MortimerPatricia ClarksonBill NighyHonor KneafseyJames LanceHarvey BennettMichael FitzgeraldJorge Suquet, Hunter Tremayne, Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O'Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega



A finales de los años 50, Florence Green decide hacer realidad uno de sus mayores sueños: abandonar Londres y abrir una pequeña librería en un pueblo de la costa británica. Pero para su sorpresa, esta decisión desata todo tipo de reacciones entre los habitantes de la localidad.


Sería cerrar los ojos no querer ver que en La librería, la última película de la catalana Isabel Coixet, hay una lectura que señala la sensación de ostracismo (político) que ha venido sufriendo la cineasta a causa del torbellino político de la zona. Es tan sólo una interpretación de las mil posibles, pero La librería, adaptación de la novela con la que Penelope Fitzgerald se quedó a las puertas del Booker en 1978, no deja de ser otra variación del mito de David contra Goliat –de alguien que parecer ser el débil enfrentándose a un sistema fortísimo y pétreo–, aunque aquí la leyenda se desarrolle entre libros de la editorial Penguin
Bajo esa cuidada y detallista puesta en escena (el diseño de producción es sin duda uno de los grandes aciertos del largometraje), Coixet vuelve a presentarnos a una mujer aparentemente frágil, pero de carácter: a finales de los años 50, el sueño de Florence Green (Emily Mortimer) es abrir una librería en el pueblo costero de Inglaterra donde vive, y se ve atacado por la negativa de sus vecinos y por la oposición frontal de Violet Gamar (Patricia Clarkson en modo arpía), una aristócrata que ansía del local donde Green ha abierto su negocio. 
Más allá de la estética preppy que baña toda la película y que parece cohesionar las decisiones de la cineasta, hay algunas cuestiones que desajustan bastante el resultado de La librería: para empezar, los préstamos estilísticos, a los que hay que sumar algunas líneas narrativas que se pierden por el camino y, especialmente, un epílogo disruptivo que pretende funcionar como corolario y parece más bien una reflexión gratuita. (SENSACINE).


Varios son los aciertos de esta tersa, implacable y muy humana peripecia con libros y mujeres que Isabel Coixet ha convertido en una de sus criaturas más perturbadoras y personales. La primera guarda relación con la (obvia) posibilidad de leer la película en clave autobiográfica: aunque el proceso de la adaptación arrancó hace ya diez años, es ahora cuando se la puede ver como el enfrentamiento entre una mujer libre y una comunidad que pretende someterla. Libre en un sentido discreto: no son heroicidades, sino vidas cotidianas marcadas por la incomprensión, el miedo y la pulsión de hacer daño. Como lo que vive la directora en su convulsa relación con (algunos de) sus conciudadanos catalanes. La segunda es una idea majestuosa, que viene del primer cine de Coixet, de 'A los que aman' (1998): la conversión del paisaje, captado desde un romanticismo que no desdeña mostrarse como tal. A la vez como el contenedor de los sentimientos de los personajes (tal vez la más bella secuencia de amor rodada jamás por Coixet se desarrolla frente al mar) y como la metáfora que deja en evidencia a los humanos: la naturaleza como protección (también como amenaza) frente a la iniquidad y la mediocridad de los hombres. La tercera, en fin, hace de la película una declaración de principios: a la directora no le duelen prendas de hacer una película de valores sólidos, que canta las alabanzas a la lectura y su capacidad para hacernos libres. Una película hermosa y vibrante, cargada de razón y también de esperanza.(FOTOGRAMAS).

Isabel Coixet nos entrega un relato de amor a los libros. Una historia sencilla y contenida, ambientada en la Inglaterra rural de los 50, con un brillante reparto en el que destacan varios nombres y que nos habla de la dificultad de encajar en una comunidad cerrada, de la persecución de nuestros sueños y la soledad, todo ello en torno al amor por la literatura y los libros, al cariño por la lectura. Coixet narra con excelente pulso esta pequeña y sencilla historia de tonos agridulces que se mueve con cierta elegancia entre las calles del pequeño pueblo y las estanterías de la librería que da nombre a la película. Todo ello usando como punto de partida la novela de Penelope Fitzgerald en la que se basa la película.....(ACCIÓN DE CINE).

domingo, 29 de octubre de 2017

THOR,RAGNAROK




Dirección: 
Nacionalidades: USA Año:  Fecha de estreno: 
Duración: 130 min.
Género: Fantástica
Color o en B/N: Color
Fotografía: Javier Aguirresarobe










Asgard se encuentra en manos de una poderosa amenaza, la despiadada y todopoderosa Hela (Cate Blanchett), que ha robado el trono y ha encarcelado a Thor (Chris Hemsworth), enviándole como prisionero hasta el otro extremo de la galaxia. Sin su martillo, el mítico y poderoso Mjölnir, el Dios del Trueno se encontrará a sí mismo en una carrera contra el tiempo. 

En el planeta Sakaar, Thor tendrá que luchar por su vida como un gladiador. Para escapar de su cautiverio, Thor tendrá que resultar vencedor en una competición alienígena, y derrotar a su antiguo aliado y amigo Vengador El increíble Hulk (Mark Ruffalo). Pero, por alguna misteriosa razón, Hulk no recuerda a su compañero Vengador. Claro que, por encima de todo, el objetivo del Dios del trueno será volver a Asgard y parar el Ragnarok, un ciclo de vida y muerte sin fin que podría significar la destrucción total e inminente de la civilización asgardiana. 

Cómo hacer resurgir de sus cenizas cada una de las sagas paralelas del universo de Los Vengadores y convertirlas en un hervidero de ideas y en una explosión de creatividad. Eso es lo que parece estar haciendo a conciencia Marvel Studios con cada uno de sus personajes individuales en un intento de seguir explotando su personalidad independiente de la manera más adecuada posible. Así, el director Taika Waititi no sólo impregna la película con su chiflado sentido del humor, sino que la convierte en una bella sinfonía wagneriana de imágenes a medio camino entre el glam trasnochado y el heavy metal ochentero, sin perder un ápice de su espíritu comiquero, rindiendo homenaje al legado de Jack Kirby. Una multicolor space opera que nos conduce por un viaje lisérgico tan bizarro y abigarrado como en el fondo sensato por su capacidad para concentrar aventura, fantasía, épica y diversión en sus dosis justas.(FOTOGRAMAS).


La mejor de las tres películas de Thor hasta la fecha. No está exenta de algún que otro problemilla y con el final de esta trilogía nos queda la sensación de que no han sabido cogerle la medida real al personaje en algunos aspectos, o en muchos. Por mucho que algunos acabasen decepcionados, la versión del personaje que ofrece la primera película de Kenneth Brannagh, es la más cercana a lo que Thor es en los cómics, en su vertiente de viaje al mundo humano, a la Tierra y los problemas que allí encuentra, incluyendo su relación romántica con el personaje de Natalie Portman. Solemne, con toques de ópera y de drama de Shakespeare, a la que, por motivos de presupuesto al ser la primera entrega, le faltaba algo de acción al más puro estilo Thor… No era perfecta pero era un magnífico comienzo para el personaje. Con la segunda parte, servidor tiene sentimientos encontrados. Me lo pasé bien con ella, reflejaba muy bien el universo de Asgard y los elfos oscuros, todo el tema de la magia y tenía grandes batallas. Pero la película era fría, sin alma, y el exceso de humor la hacía perder el norte en momentos cumbre.....(ACCION DE CINE).

.....Así que sólo me queda aplaudir que para la tercera película del Dios del Trueno –tras la muy shakesperiana Thor (2011) y la buddy-dark-movie Thor: El mundo oscuro (2013)- Feige haya tomado la (arriesgada) decisión de poner a los mandos al realizador neozelandés Taika Waititi, autor de una de las mejores series (comedia musical) de los últimos años –Flight Of The Conchords (2007)- y firmante de esa barbaridad llamada Lo que hacemos en la sombras (2014), una de las más divertidas cult movies contemporáneas. Así, con un equilibrio de 75% comedia – 25% acción, Thor: Ragnarok es un nuevo hit del UCM. Fiel al revival de cine ochentero que llevamos tiempo viviendo, la película de Waititi es tan chula como desternillante: puro entertainment que no se encoge ante la desvergüenza –ese dictador al que da vida un autoparódico Jeff Goldblum- y que minimiza sus efectos dramáticos en aras a ganar velocidad y efectividad –casi todos los actos violentos de Hela (Cate Blanchett en modo Halloween) son breves, directos y efectivos-. Curiosamente, pese a tomar el nombre del histórico comic “El poderoso Thor: Ragnarok” de Roy Thomas y Len Wein, la película que sirve como prólogo más directo para las Guerras del Infinito, de donde realmente bebe es de uno de los mejores cómics del Marvel moderno: “Planet Hulk” de Greg Pak –de hecho la peor noticia que nos da Thor: Ragnarok es que los que soñábamos con una adaptación del mismo a modo de space opera con gladiadores ya no parece que se vaya a dar nunca-. Waititi (con ayuda de sus guionistas: Kyle, Yost y Pearson) plantea el film como una big band movie con un nuevo equipo de superhéroes formado por Thor, Loki (cómo mola Tom Hiddleston, haga lo que haga), Hulk (Mark Ruffalo) y Valkiria (Tessa Thompson) que, tras tratar de escapar del multicolor planeta Sakaar deberán tratar de detener a Hela en su afán de destruir Asgard (y, por extensión, el universo, que por algo es la Diosa de la Muerte). 

Con los sintetizadores apretando por todas las esquinas –y soltando desatado el “Immigrant Song” de Led Zeppelin en los momentos cumbres-, Thor y los suyos convierten la película en una pool party donde quién no se le pase bien es porque no quiere. Film equilibrado a la perfección –hay tanta sátira superheroica como ganas de seguir moviendo piezas clave en el UCM-, con grandes momentos para degustar con pasión –la pelea de Hulk con Thor es mejor que la de Hulk con Iron Man vista en La era de Ultrón (2015)- y algún que otro gesto dramático no exento de lírica, Thor: Ragnarok me ha encantado. Que aprendan los demás.(SENSACINE)


miércoles, 20 de septiembre de 2017

DETROIT


Duración: 143 min
País: Estados Unidos
Género: Suspense - Crimen - Drama - Historia
Estreno: 15/09/2017
Directores: Kathryn Bigelow
Actores: Anthony Mackie, Hannah Murray, Jack Reynor, John Boyega, Kaitlyn Dever, Will Poulter
Guionistas: Mark Boal
Productores: Aurum, Eone Films


Sinopsis: También conocidos como los disturbios de la Calle 12, todo comenzó cuando la mañana del 23 de julio, pocos días después de los disturbios del gueto de Newark, en Nueva Jersey, que dejó tras de sí 26 muertos y 1.500 heridos, la policía llevó a cabo una redada en una cantina sin licencia situada en un barrio poblado de mayoría negra. Pensando que a esas horas estaría medio vacía, no esperaban encontrarse con 82 personas atendiendo una fiesta para dos veteranos de vuelta del Vietnam.


El cine de la insobornable e imprevisible Kathryn Bigelow busca siempre ponernos en el lugar del otro, aunque eso resulte particularmente doloroso. Donde lo mostró de manera directa, envuelto en un marco de cine de anticipación (que no lo era tanto: el año 2000, contado desde 1995), fue en 'Días extraños'. Pocas diferencias se aprecian entre los altercados callejeros de aquella ficticia víspera del siglo XXI con la Detroit en estado de sitio de finales de julio de 1967: de la inmersión tecnológico-lisérgica para sentir el placer o el sufrimiento ajenos ('Días extraños') hasta una cámara nerviosa, de corresponsal de guerra, que nos pasea, zarandeándonos violentamente, por las llamas de los conflictos raciales y por sus ascuas, todavía hoy encendidas, vivas.
Muy pronto, Bigelow, en su trabajo más redondo e inspirado en años, va cerrando su visión coral de los acontecimientos (no hay un protagonista definido) hasta llevarnos a la depuración absoluta, al terror claustrofóbico… a meternos en la piel y en la psique de policías racistas, víctimas inocentes e improbables observadores neutrales. En ese intercambio de roles, en ese cruzar la línea (otra característica de la obra de la autora de 'Le llaman Bodhi', flm de 1991 que cita explícitamente en la secuencia inicial con el agente infiltrado), es donde 'Detroit' se convierte en algo más que una película de denuncia o una minuciosa reconstrucción histórica periodística. Nos pone un espejo delante para que veamos todas las sombras y los refejos tenebrosos que nos hacen ser monstruos para los demás y para nosotros mismos....(FOTOGRAMAS).


Tienen que hacerse todavía muchas películas para que Estados Unidos haga las paces consigo misma. Su historia es la de un país nacido de un genocidio, construido sobre los cimientos de la esclavitud y enfrentado todavía hoy a la paradoja de ser emblema de libertades y máximo ejemplo de sociedad racista. Por su compromiso como cronista en esta segunda fase de su filmografía, Kathryn Bigelow ha querido que su nuevo filme cubriera gran parte de esa enorme mancha blanca que cubre la memoria de toda una nación. De esta forma, y tomando un episodio insuficientemente recordado, mete los fantasmas de este conflicto en el pequeño motel en el que estaba un grupo de jóvenes negros arrestados y hostigados ilegalmente por tres policías blancos. Fue una noche de julio hace 50 años en Detroit. Sorprende que nadie hubiera decidido contarlo antes. O no. ....(SENSACINE).

Muy buena película de Kathryn Bigelow que debería aspirar a varios premios del año. A ver, no es que los premios me importen lo más mínimo ni piense que definen la calidad de una película siempre, pero lo cierto es que después de ver Detroit lo que me quedó claro es que si esta película no vuelve a poner a Bigelow y algunos de sus colaboradores entre los nominados a los galardones del año, sería raro. Detroit tiene todos los elementos para estar entre las nominadas y premiadas. Pero eso no es lo mejor. Lo mejor es que es una muy buena película, y a mi parecer confirma que su directora está ahora mismo en la reducida lista de diez o doce directores de los que hay que esperar con ganas la llegada de su próximo trabajo, porque suelen cumplir con las expectativas y además mejoran con cada nueva película, tienen una filmografía rica y en progresión ascendente y además no temen meterse en huertos. Y Detroit es un auténtico huerto. O mejor dicho: una bomba social, al menos para la sociedad americana, cuyas cuentas pendientes de enfrentamiento racial todavía no han sido del todo solucionadas y que viendo esta película parecen todavía muy presentes en el día a día de la mentalidad norteamericana, por mucho que quieran vendernos una imagen progresista.....(ACCION DE CINE).

lunes, 11 de septiembre de 2017

TADEO JONES 2.EL SECRETO DEL REY MIDAS


Duración: 81 min
País: España
Género: Animación
Estreno: 25/08/2017
Directores: David Alonso, Enrique Gato
Actores: Adriana Ugarte, José Corbacho, Michelle Jenner
Guionistas: Javier Barreira, Jordi Gasull, Neil Landau
Productores: Paramount Pictures
















Tadeo Jones viaja hasta Las Vegas para asistir a la presentación del último descubrimiento de la arqueóloga Sara Lavroff: el papiro que demuestra la existencia del Collar de Midas, el mítico Rey que convertía en oro todo aquello que tocaba. Pero el feliz reencuentro se verá enturbiado cuando un malvado ricachón secuestra a Sara para poder encontrar el talismán y conseguir riquezas infinitas. Junto a sus amigos el loro Belzoni y su perro Jeff, Tadeo tendrá que hacer uso de su ingenio para rescatar a Sara, en un viaje por medio mundo, donde encontrará nuevos amigos ¡y nuevos villanos! 

....Y si en la primera película la clara fuente de inspiración era, como ya he dicho, Indiana Jones, en esta ocasión se nota que a los creadores de la película les encantan los videojuegos de la saga "Uncharted", de la PS4, pues Tadeo se muta en un Nathan Drake de andar por casa que incluso tiene cuaderno de pistas y todo ¡Si hasta hay un recorrido en todoterreno por un gran espacio abierto como en la cuarta entrega! Por un momento pensaba que aparecería Sully con uno de sus puros apestosos detrás de cualquier esquina o que se liaría a tiros con un batallón de mercenarios. Pero no, estamos, hay que recordarlo, ante una película dirigida a los peques de la casa y hay que cuidar las formas.

Mención especial al personaje "Momia", que ya aparecía en la primera entrega y que se come la pantalla cada vez que sale, dejando en pañales humorísticos al pájaro Belzoni y a sus cartelitos. Y atentos a la magnífica escena de la persecución en taxi y motos por las calles de Granada, de lo mejor visto en bastante tiempo en animación.

Por supuesto, están presentes todos los topicazos españoles sobre la paella, el flamenco y demás... No olvidemos que estamos ante un producto español que va a tratar de triunfar en mercados anglosajones. Y desde luego no tiene nada que envidiar a muchas producciones procedentes de EEUU, pues la animación española es de gran calidad (véase "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo", por ejemplo)....(PALASACA.MADRID.)


Cuando en 2001 Enrique Gato dio luz a Tadeo Jones apenas debió imaginar el trabajo (y el éxito) que el personaje le brindaría: un cortometraje (2004) que dio la vuelta al mundo; un segundo cortometraje, Tadeo Jones y el sótano maldito; un primer largo de animación (2013), galardonado con tres Premios Goya; y ahora una secuela que expande las aventuras del albañil y arqueólogo hacia nuevos territorios. Y no sólo porque Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas nos lleva de Las Vegas a Granada y ade ahí a Turquía, sino porque, tras arrasar la primera entrega en la taquilla global, esta nueva entrega aparece con todos los elementos para ir en busca del crowd-pleasing de los principales box-office del mundo.....(SENSACINE).

Mejor que la primera: los cinco años de espera han resultado provechosos. Se nota que se la han currado con paciencia, talento e ingenio, y nada del piloto automático que tan a menudo activa secuelas, sin ir más lejos la de Pixar de este año. Ya el prólogo, una aventura bajo el agua protagonizada por la joven heroína arqueóloga Sara Lavrof, pone el listón alto. Le sigue el humor literalmente paleta de Tadeo, en la escena de la obra en construcción, slapstick marca Laurel & Hardy. Y, ya sin pausa, aparece la Momia, secundaria en el título original, todo un hallazgo de diseño, caracterización y comicidad, que en un santiamén se adueña de la película de Gato y Alonso. Y llegan las escenas de acción: la de la Alhambra, arrolladora, digna del 'Tintín' de Spielberg; la de la Capadocia… Miel sobre hojuelas, entre tanto estrépito, todavía tiene tiempo el film de desgranar una historia de amor, peinada con tupé de screwball comedy al introducir sabiamente en el guion la figura de la guapa becaria que propicia los consabidos equívocos.(FOTOGRAMAS).

Mejor que la primera parte en todos los sentidos. Aunque el salto verdaderamente notable se da en el aspecto técnico, donde hay una evolución espectacular sobre todo desde la primera entrega, aunque también se nota el avance respecto a Atrapa la Bandera, la anterior película de Lightbox Entertainment y Enrique Gato, uno de los principales motores creativos detrás de la misma. Las Aventuras de Tadeo Jones se convirtió en uno de los mayores éxitos españoles que se recue3rdan, la película de animación patria que más ha recaudado en nuestro país y un éxito internacional con más de 50 millones de dólares recaudados en todo el mundo. Era necesario dar un salto de calidad y vaya si lo han hecho.
Para una producción modesta, esta nueva aventura de Tadeo Jones es mucho más en todos los sentidos, y supera a su antecesora no sólo en el diseño de los personajes y cómo se ven en pantalla, desde los gestos al cabello pasando por la ropa o las texturas, sino también en el paisaje, las localizaciones, la iluminación y los movimientos de cámara. Hay un avance brutal entre ambas películas y eso se agradece también, porque ha supuesto un enorme esfuerzo sin duda y porque lo que nos ofrece se acerca cada vez más a las producciones americanas más modestas, pero con un presupuesto 10 veces mayor. No, no hablamos de Pixar. Visualmente ellos están a años luz de todo el mundo. Pero si la comparamos con Ilumination, la responsable de Gru, las distancias se acortan....(ACCION).

miércoles, 2 de agosto de 2017

DUNKERQUE










Título original
Dunkirk
Año
Duración
107 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guion
Christopher Nolan
Música
Hans Zimmer
Fotografía
Hoyte Van Hoytema
Reparto
, , , , ,, , , , ,, , , , 
Productora
Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Francia-Países Bajos (Holanda); Warner Bros. Pictures / Syncopy / Dombey Street Productions / Kaap Holland Film / Canal+ / Ciné+ / RatPac-Dune Entertainment
Género
BélicoDrama | II Guerra MundialSupervivenciaHistóricoBasado en hechos reales



Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeadas por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca.


.....No hay pasado ni futuro en Dunkirk: no conocemos la historia -y en muchos casos- los nombres de los soldados protagonistas y, cuando termina la película, no hay un letrero que nos indique lo que sucedió después. Simple y sencillamente es un evento que ocurrió para estas personas, un momento de tensión pura, uno que para los soldados en tierra duró una semana, para los civiles en el mar un día y para los aviones una hora.
Dunkirk logra combinar con una clase y estilo sin precedentes el lenguaje cinematográfico de clásicos bélicos que van desde la aparentemente sencillez del cine mudo de El acorazado Potemkin, la acción de Rescatando al soldado Ryan, hasta la belleza dentro de un escenario hostil de una de las películas favoritas de Christopher Nolan: La delgada línea roja de Terrence Mallick. Y es que una de las virtudes del cine de Nolan es su capacidad de tomar esas películas que lo han influenciado y no hacer una copia u “homenaje”, son eso, simplemente inspiración. En la práctica, Dunkirk es totalmente opuesta a La delgada línea roja. En la obra de Mallick sus soldados filosofan sobre la guerra en un constante diálogo consigo mismos a través de la voz en off, ven al enemigo a la cara, lo retan, se burlan, conviven con la gente del lugar y en algunos casos conocemos su vida pasada. Aquí no existe un momento donde algún soldado hable sobre lo que dejó atrás o si tienen familia que los espere al otro lado. Simple y sencillamente están ahí, en un momento, tratando de escapar, tratando de sobrevivir… no hay tiempo de pensar en el pasado o en el futuro.
De igual forma, ambas cintas van más allá a ser tan sólo una “película de guerra”. Mientras La delgada línea roja -opacada en su momento por Rescatando al soldado Ryan- resultaba a su vez un estudio sobre el hombre y sus islas personales, Dunkirk no sólo es sobre la percepción del tiempo en momentos de crisis, sino la percepción -normalmente errónea- que tenemos de nosotros mismos frente a los demás, muchas veces solemos ser nuestros propios enemigos.
Dentro de los apartados técnicos, la película funciona como reloj suizo. Christopher Nolan, el proponente número uno de la tecnología IMAX, logra una cinta única que explota el formato como ninguna otra. La fotografía de Hoyte Van Hoytema nuevamente vuelve a mostrar la sutileza con la que explora escenarios a gran escala y a la vez nos enfrenta con esos close-ups claustrofóbicos.
Nuevamente el score de Hans Zimmer juega un papel sumamente importante dentro de la narrativa de Dunkirk, con el reloj marcando los segundos y el efecto auditivo del tono Sheppard, donde se crea la ilusión de un eterno in crescendo que provoca tensión y genera un suspenso aún mayor. Es un trabajo que recuerda también a la dupla Alfonso Cuarón-Steven Price en Gravity. Sería interesante descubrir si funciona sin el score, así como fue el experimento que hizo Cuarón para su película en la Deluxe Edition en Blu-ray.
Uno de los momentos decisivos en la historia de la Segunda Guerra Mundial fue correctamente llevado a la pantalla grande por Christopher Nolan. El realizador nunca pierde su estilo y fija con maestría un vocabulario visual en torno al uso y percepción del tiempo. Dunkirk nos transporta a un momento, a un lugar, a tres puntos de vista. Cada uno con su emergencia y a su propio su trepidante ritmo. No vemos al enemigo porque aquí la amenaza, más que llevar un rostro, lleva un segundero que juega con tortura a todos los afectados… un tiempo a la vez.(PREMIERE).

Hay una imagen en 'Dunkerque' que rima con otra inmortalizada por la reciente 'Su mejor historia' (Lone Scherfig, 2016): una playa atestada de soldados a la espera de evacuación, que, en el trabajo de Scherfig (aguda reflexión sobre los usos de la propaganda y la necesidad de privilegiar la leyenda sobre el hecho), adoptaba la forma de un vidrio pintado, y que Christopher Nolan esculpe en la apabullante fisicidad de una experiencia cinematográfica inmersiva y sensorial. Que dos películas hayan coincidido en rememorar esa histórica retirada como heroica gesta de supervivencia y triunfo de la acción colectiva de una comunidad (británica) también invita a reflexionar sobre la pervivencia de la propaganda en tiempos de paz: ¿es Dunkerque, por lo que tiene de celebración de los lazos de una domesticidad solidaria consigo misma, el mito a invocar por los británicos a medida de los tiempos del Brexit?
Sofisticado juego temporal
'Dunkerque' supone, al mismo tiempo, una reafirmación de las esencias nolanianas y un radical desvío de lo que, con el tiempo, ha ido erigiéndose en uno de los más fastidiosos factores de sobrepeso de su poética. Por un lado, la película se articula en forma de sofisticado juego estructural con un uso del tiempo que podría entenderse como la respuesta realista a las piruetas oníricas de 'Origen' (2010): tres puntos de vista (por tierra, mar y aire), atrapados en respectivas franjas temporales (una semana, un día, una hora), pero armonizados en un montaje paralelo que, muy ocasionalmente, proporciona gratificantes golpes de efecto narrativos (los relacionados con el personaje de Cillian Murphy) y acaba tendiendo a una contraproducente confusión. Se intuye que el propósito del juego (que culmina en la dilatación de un aterrizaje equiparable a la célebre caída de coche ralentizada en 'Origen') es el de igualar tres experiencias y temporalidades distintas en el idioma común de una misma intensidad regida por el imperativo de supervivencia.
Renuncia a la pompa
Por otro lado, Nolan hace aquí una explícita renuncia a la pompa y al verbo (aunque se le escape alguna sonrojante, por lo enfática, línea de diálogo sobre la supervivencia), para abocarse a un espectáculo puramente visual. Algunos momentos (todo el prólogo dominado por Fionn Whitehead, Aneurin Barnard y una camilla) alcanzan una incuestionable fuerza, pero cabe preguntarse si todas las imágenes de Nolan, sin el espectacular diseño de sonido y sin la banda sonora de Hans Zimmer, poseerían la suficiente elocuencia expresiva como para defenderse por sí solas.(FOTOGRAMAS).

......Dunkerque es la historia de una derrota. De cómo los perdedores, especialmente ellos, son más héroes que nadie. Un retrato de soldados en fuga que no duda en mostrar lo peor del ser humano pero sin perderse en discursos moralistas estériles. La acción, brutal y espectacular, se concentra tanto en los gestos íntimos -un joven sosteniendo en brazos a su amigo herido- como en grandiosas escenas de carácter operístico -cuando el destructor se hunde víctima de un torpedo-. Para Nolan todo forma parte desde la misma intensidad emocional. Por eso ni siquiera parecen importar los actores -fijarse en Tom Hardy, que no se quita la máscara de aviador en prácticamente toda la película-, mucho menos las palabras. Porque esta es una película donde el valor semántico es absoluto. La construcción del relato prevalece por encima del mismo relato. Tanto es así que más que una película de guerra, Dunkerque podría ser una película sobre el propio cine y su importancia. Gracias Nolan, por todo ello.(SENSACINE).